Crítica musical

Crítica musical

     Concierto de flamenco, disfrutando en la intimidad.

    El día 14 de diciembre tuvo lugar un concierto de flamenco en el teatro Góngara (Sevilla). Realizado por el mejor guitarrista  Isaac Muñoz, iba acompañado de los cantantes  Sara Corea y Bernardo Miranda, también iba acompañado del bailarín José Barrios y por último, los coros y palmistas
Joaquín González y Juan D. Sáez. 

    Es una buena impresión de ver a tanto joven tocar. Es el caso de cordobés Isaac Muñoz, que tiene una recopilación de toques inspirados en su experiencia urbana local, con el instrumento de seis cuerdas, en la que muestra las esencias que ha ido logrando aplicándose en concieros, y compartiéndolos. Lo que no quedará en grandilocuencia, considerando la trayectoria con la que se adorna desde que era casi un niño al que la sonanta atraía.

  Apareció él solo en escena este viernes para ampliar su primera difusión de Calle de la melodía, tras la del pasado verano en Montoro, suponiendo ahora una agradable nueva oportunidad para los paisanos, aún atentos por atender en directo exposición tan completa, estirándose para ser admirado y, a su vez, acercándose al cante y al baile.

El Fandango

El Fandango

• Origen: 

        En su origen el fandango es un aire popular bailable o bien una danza cantada que se empieza a popularizar a partir del siglo XVIII. En un documento de 1712 escrito en latín por el dan del Cabildo de Alicante se describe el fandango de Cádiz como danza de voluptuosos movimientos que goza del aplauso de toda la ciudad, independientemente de su clase social. El Diccionario de Autoridades de 1735 define el fandango como el “baile introducido por los que han estado en el reino de Indias, que se hace al son de un tañido muy alegre y festivo. Estas fechas, que abarcan más de un siglo, podrían resumirnos el origen y desarrollo del fandango, género que pudo surgir en el ambiente teatral-tonadillero que se bailaba en Cádiz con movimientos más propios hoy de la rumba, que fue traída por los que regresaban de las Indias y que a finales del siglo XVIII formaban parte del repertorio popular andaluz, junto a la malagueña y el polo, dotando su base musical de numerosas variantes a la escuela bolera. Este fandango aquí descrito, sin embargo, representa una forma arcaica que no coincide en lo musical con lo que hoy conocemos como fandango flamenco, aunque si existen elementos comunes, como la cadencia andaluza.

el fandango

•  Características Musicales:

           El fandango, como ritmo, es un aire ligero, rápido, marcado a compás binario 6/8, parecido al Pasaje Llanero y al Mapalé Negroide. Presenta dos secciones en la melodía. Es de carácter instrumental y fiestero. El fandango andaluz, tal y como hoy lo concebimos, tiene un elemento musical, en el plano armónico, que lo caracteriza y caracteriza a todas sus variantes, populares y flamencas. Este distintivo se basa, por una parte en la alternancia de letras y variaciones instrumentales, y por otra, en la tonalidad con la que se acompañan estos cantes. Los fandangos populares, aunque muchos han sido «elevados» al rango flamenco por determinados intérpretes, se diferencian primordialmente de los flamencos en que se interpretan sobre un metro ternario (3×4) mientras que gran parte de la versión flamenca se realizan sobre una métrica libre, sin un compás que ponga ataduras rítmicas a la inspiración melódica del intérprete. Entre los fandangos «a compás» destacan las numerosas variantes de Huelva, los de Almería, de Lucena, los granaínos, los de Málaga, los verdiales. El traje de los verdialeros consta de adornos de cintas de colores, sombrero de palma para los músicos, espejillos y flores. Al grupo instrumental de los verdiales se le conoce como panda de verdiales y el indumentario consta de guitarras, violín, pandero, crótalos, almirez, canutos de caña y botella de anís. Juan Breva popularizó un tipo de verdial no bailable que se tocaba por arriba (modo de mi), y dentro del flamenco el verdial suele ser utilizado por los cantaores para rematar la malagueña.

• Características de la Letra:

        Las letras están compuestas por estrofas de cuatro o cinco versos octosilábicos con rima asonante o consonante en los pares. Se repiten uno o dos versos hasta formar los seis tercios que componen la estrofa de un fandango.

Acompañamiento armónico: modal y tonal simultáneamente. Armonía modal en el ritornello o estribillo instrumental y las diferentes falsetas. Armonía tonal en el acompañamiento en el cante, en tono mayor. La letra se canta en tonalidad mayor, y el ostinato sigue el siguiente orden de acordes (en do mayor): do-fa-do-sol-do-fa, para cadencia en el mi, y dar paso así a las variaciones de la guitarra sobre el ostinato de la cadencia andaluza: la menor-sol-fa-mi. Algunas variantes de estos ostinato se escuchan en las malagueñas, tarantas o granaínas, sin embargo el «patrón armónico» del fandango siempre se mantiene ante cualquier sustitución de un acorde por otro, y en todos los palos antes comentados.árbol del fandango andaluz se desprenden numerosas variantes que, en un intento de clasificación, nos permitiría diferenciar los fandangos populares de aquellos propiamente flamencos.
    

Revista: El Tablado Flamenco

Revista El Tablado Flamenco

     Revista creada por Beatriz y Lucía de una cantante flamenca Ángeles Toledano

Música en el Cine

Funciones de la música en el cine.

   a) Resumen de las funciones de la música en el cine.

• Función Estructural: 

         - Ayuda a Organizar.
         - Servir de hilo conductor de varias escenas.
         - Potenciar la acción (reforzar el ritmo visual).

• Función Narrativa:

         - Ayuda a situar la película en un lugar y un tiempo determinado.
         - Confiere una atmósfera determinada.
         - Completa la descripción de un personaje.

• Función Emotiva:

         - Anticipa cambios que no se deducen en la imagen.
         - Contribuye a crear suspenso en una escena.
         - Subraya una emoción.

• Función Estética:

         - Cuando la música embellece o contribuye a la belleza de la imagen (amplía su significación subjetiva) o propicia que el espectador se deleite o disfrute de ella.

  b) Análisis las escenas de vídeo propuestas.

•  Titanic: 
• Los Puentes de Madison:
• Superman II:
• Drácula:
• Matrix:
• Vértigo:
• La Misión:

  c)  Ejemplos.

Composición cinematográfica

Composición de una película

a) Composición de una película:

     Un poco de historia 

        - Las filmaciones de los Lumière o de otros pioneros que se limitaban a capturar el paso de un tren o la salida de los trabajadores de una fábrica carecían de montaje porque simplemente registraban un hecho hasta que se terminaba la película. Con el diseño de carcasas más grandes, que aportaban mayor capacidad de almacenamiento, fue posible registrar muchos más hechos o secuencias de hechos. Poco a poco la necesidad de un montaje externo, de una ordenación y selección de lo filmado, se hizo patente. Por otro lado, en la ficción, era necesario retirar de la copia final las “colas” de inicio y de fin de secuencia. El papel de un montador se iba haciendo, pues, más y mas imprescindible. Para ese puesto se inventó la mesa de montaje con moviola en 1924, pero ya antes, en 1915, el visionario David W. Griffith había demostrado hasta dónde podía llegarse con un montaje expresivo, gracias a la suma de todas sus ideas e investigaciones narrativas, con ‘El nacimiento de una nación’ (‘The Birth of a Nation’). En esa película se desarrollaba como nunca hasta la fecha la noción de montaje en paralelo. Es decir, dos hechos que compartían una misma unidad de tiempo pero distinta localización.
Birth of a Nation clip 6

    A grandes rasgos, se diferencian, al menos desde un punto de vista académico, cuatro grandes tipos o estilos de montaje:

        - Narrativo o Clásico: Que cuenta los hechos de modo lógico y coherente, aunque haya saltos temporales hacia delante o hacia atrás. El montaje más invisible. El que menos llama la atención (en teoría…) sobre sí mismo.
        - Expresivo: Cuando de él depende el ritmo externo de los acontecimientos. Rápido en la acción, lento en lo intimista.

        - Ideológico: Cuando manipula las emociones y las ideas basándose en asociaciones de ideas, en símbolos, en planos-clave.

        - No narrativo o Poético: El que propone una puesta en escena no narrativa, sino anímica, psicológica y espiritual.

    Y luego, dentro de una secuencia, se distingue entre dos tipos de montaje más: el llamado Analítico:, que fragmenta la secuencia en cientos de planos y detalles, y el Sintético, que busca planos más amplios y mayor movimiento dentro de ellos.

    ¿Qué se podría considerar un buen montaje?

        -  El montaje no es más que un truco. Lugares comunes como el encadenado para expresar un salto temporal no muy largo, y el fundido a negro para expresar un salto temporal mayor, se han utilizado miles de millones de veces. Por eso mismo, ya no son válidos. Porque no hay dos caracteres o dos formas de mirar idénticas en todo el mundo. Sería bueno que cada cineasta buscar una forma de montaje propia, intransferible, y no se dedicara a repetir trucos tan manoseados. Por otra parte, siendo un medio tan visual, es muy potente manipulando la mente del espectador.

    Composición cinematográfica

        -  El concepto de composición cinematográfica alude a la disposición en el espacio de los diferentes elementos que conforman la imagen. En los criterios de composición, todo buen cineasta que e precie debe favorecer que el espectador “vea” lo mismo que ha visto él y con la misma intención, a cuyo fin se valdrá del equilibrio y desequilibrio, los centros de atención, la disposición de los elementos, etc. Pero también muy importante que persiga una estética determinada orientada a la obtención de imágenes armónicas, atractivas y originales.

       -  Como ven, la composición cinematográfica nos engaña. Nos sugiere que los personajes tienen volumen, que los objetos tienen texturas, y que los interiores y los paisajes tienen fondo. ¿Cómo se consigue? Aquí unos aspectos que se consideran relevantes para conseguirlo.

    El enfoque diferencial

       - Si con un objetivo de escasa profundidad de campo, o utilizando diafragmas abiertos, enfocamos el centro de interés, dejando el fondo desenfocado, conseguimos acentuar el efecto de profundidad del plano. Si, además, variamos durante la toma el plano enfocado (por ejemplo, cambiando el foco de la nuca de un personaje, en primer término, al rostro en plano medio de otro personaje que mira al primero), obtenemos un efecto de gran profundidad visual y con interesantes posibilidades dramáticas.

    La regla de los tercios

       - La regla de los tercios es una vieja teoría sobre la composición que aún hoy funciona satisfactoriamente. Partimos de la división mental, imaginaria, de nuestro encuadre en tercios horizontales y verticales, para a continuación situar, distribuir, los elementos de la imagen repartidos por las líneas (horizontales y verticales), ubicando con preferencia el centro de interés en cualquiera de los cuatro puntos resultantes del corte de las líneas. En ocasiones, la composición de la imagen no cumple la regla de los tercios, sino que responde a criterios estéticos o dramáticos más complejos, pero en estos casos las imágenes así configuradas requieren por parte del espectador más tiempo para ser comprendidas y encontrar los centros de atención.

     Tono y profundidad

       - Las imágenes de una escena se reproducen en una escala de grises, desde el blanco hasta el negro o en diversos colores o tonos, según el medio que las capte. La disposición en el encuadre de esta escala tonal es un elemento importante dentro de la composición de la escena, puesto que las zonas más claras aumentan su presencia. Por ejemplo, la atención puede desviarse si, junto al centro de interés, se dispone de un elemento fuertemente iluminado. Además, estas zonas, ya sea por su tonalidad o por iluminación, producen una sensación de cercanía, por lo que, si un cineasta juega adecuadamente con la escala tonal, conseguirá aumentar el efecto de profundidad o tridimensional. Pero una regla básica en la composición cinematográfica: el centro de interés debe ser la zona más iluminada. 

    Masa y fondo

       - Entendemos por masa los elementos integrantes de la escena: personas, objetos, mobiliario, etc. Cuanto mayor sea su número, más complicado será ordenarlos en el plano. El centro raramente es el mejor lugar para emplazar el centro de interés (recordemos la regla de los tercios). Los elementos han de ser dispuestos de forma asimétrica, de manera que las grandes masas tiendan hacia el exterior, mientras que las pequeñas lo hagan hacia el centro, con objeto de que a efectos de atención, el centrado de las pequeñas compense el tamaño de las grandes. El centro de interés de un plano ha de aparecer destacado y lo que más influye en esto es su separación visual del fondo. Cualquier elemento que aparezca detrás del sujeto principal es peligroso. Un árbol detrás de la cabeza, el marco de un cuadro o un florero pueden arruinar el plano.


b) Biografía de algunos compositores de B.S.O: 

    John Williams

    -  Es un compositor y director de orquesta estadounidense . En una carrera que se ha extendido por más de seis décadas, Williams ha compuesto varias de las más famosas y reconocibles bandas sonoras de la historia del cine, muchas de ellas pertenecientes a las cintas más exitosas de todos los tiempos como: Star Wars, ET el extraterrestre, Indiana Jones, Jurassic Park, Harry Potter, Dracula, Tiburón, Superman, La lista de Schindler, Inteligencia artificial, Solo en casa, Minority Report y Memorias de una geisha.

Banda sonora de Star Wars

    Hans Zimmer

  -  Es un compositor de bandas sonoras cinematográficas, pionero en la integración de música electrónica y arreglos orquestales tradicionales. Es ganador de premios cinematográficos como los Globos de oro,  BAFTA, Emmy,   Saturn, Grammy, además de un Óscar de la Academia por su trabajo en El Rey León, premios a los que ha sido nominado en otras 7 ocasiones desde 1988 con Rain man. En la actualidad es considerado uno de los compositores más sobresalientes de Hollywood, apodado por gran parte de la crítica como «el omnipresente Zimmer» por sus numerosas apariciones, ya sea como compositor principal o como colaborador de alguno de sus múltiples discípulos.

                                 Banda Sonora del Rey León

     

    Ennio Morricone

         Es un compositor y director de orquesta italiano conocido por haber compuesto la banda sonora de más de 500 películas y series de televisión. Recibió un Óscar honorífico en 2006 y ganó el Óscar a la mejor banda sonora en 2016 por la cinta The Hatefull Eight. 

Banda Sonora de Gladiator

El Cine Sonoro

El Sonido en el Cine

     a) Aparición del cine sonoro.

• Los hermanos Lumiére, en 1897, contrataron un cuarteto de saxofones para que acompañase a sus sesiones de cinematógrafo en su local de París y hubo compositores de valía, como Saint-Saéns que compusieron partituras para acompañar la proyección de una película. Músicos y compositores tenían en el negocio del cine mudo una fuente de ingresos. No sólo la música, también los ruidos y acompañamiento tenían cabida en el cine mudo, por lo que algunos exhibidores disponían de máquinas especiales para producir sonidos, tempestades o trinar de pájaros. Cierto es que este sistema era solamente posible en grandes salas, en ciudades o lugares de público pudiente, y escasamente podía apreciarse en pueblos o lugares alejados. Todos los instrumentos eran válidos para hacer música en el cinematógrafo aunque el piano (y la pianola) era normalmente el más apetecido.  
•  Thomas Alva Edison, uno de los inventores del cinematógrafo, había conseguido grabar la voz humana en su fonógrafo en el año 1877. No fue el primero, ya que Muybridge gravó la progresión del galope de un caballo en 1972. Estos dos precursores sientan las bases de los inventos posteriores. En el caso del cine, el problema que no se conseguirá solucionar de manera rentable y eficaz hasta después de la Primera Guerra Mundial será la sincronización de sonido e imagen.

   b)  Los comienzos del cine sonoro y sus dificultades. 

• En 1923, Lee de Forest presenta su invento definitivo y establece las bases del sistema que finalmente se impuso. El Phonofilm resolvía los problemas de sincronización y amplificación del sonido, porque lo grababa encima de la misma película. A pesar del éxito logrado con la proyección de una secuencia de The Covered Wagon, la falta de financiación postergó la implantación del invento hasta el año 1925. Los empresarios que dominaban el sector no creyeron en él en aquel momento, porque la adopción del sonoro implicaba una fuerte inversión, ya que había que adaptar los estudios y todas las salas de proyección.

• En 1925, la compañía Western Electric decide apostar por Lee de Forest y, en el año 1926, se inició la producción bajo la tutela de la Warner Brothers que, con esta apuesta, pretendía superar una mala situación económica. Y así ese año presentaban cinco cintas en que la imagen convivía con el sonido gracias al sistema Vitaphone de sincronización disco-imagen. Éstas consistían en un discurso de William Hays, una pieza interpretada por la New York Philarmonic Orchestra, una pieza de violín tocada por Mischa Elman, una audición de la cantante Anna Case y la película de Alan Crosland, Don Juan, con John Barrymore como protagonista y en la que se había añadido una partitura interpretada por la orquesta antes citada. 

 c)Breve descripción de la primera película sonora.

El 4 de febrero de 1927 se estrenó en Estados Unidos El cantor de jazz (The Jazz Singer), considerada por muchos la primera película sonora de la historia, y producida por Warner Bros Pictures. El film, que alternaba la voz y las canciones de su protagonista, Al Jolson, con subtítulos, adapta una obra de Broadway sobre una familia judía con tradición rabínica, donde un componente del clan decide convertirse en cantante de jazz. Fue dirigida por Alan Crosland y recaudó un total de 2.625 millones dólares. En la película se usó el sistema de grabación de sonido sincronizado Vitaphone, que Warner desarrolló con la colaboración de la compañía Western Electric.

•  Paralelamente se comenzó a desarrollar un sistema sonoro diferente denominado Movietone que, a diferencia del Vitaphone, contenía el sonido grabado ópticamente en la misma película. Con ligeras variantes y mejoras técnicas, es el sistema que se utiliza hoy. El primer film completamente hablado usando sistema Movietone fue Luces de Nueva York (1928)

Historia del Rock

Historia Del Rock

Heavy Metal

   1. Historia:  

       Las primeras bandas del Heavy Metal de la historia crearon un género que pocos años después viviría su época dorada durante los años 80. En esos años surgirían las grandes bandas del metal que llevaron este estilo a la cumbre, a la vez que iban apareciendo una gran cantidad de subgéneros. 

        Sus letras e imágenes eran asociadas en muchas ocasiones con la violencia, el satanismo o el machismo, el Heavy Metal ha evolucionado con el tiempo.

2. Antecedentes: 

    El Metal como estilo musical concreto emerge con  Black Sabbath, una banda de blues que se embarcó en una búsqueda hacia un rock más pesado y de carácter gótico para expresar el dolor de la vida moderna a través de muchas metáforas. Su tendencia ocultista simboliza la vida en términos de lo eterno y lo ideal, mientras su sonido oscuro y ambiental le daba significancia real e inmediata.

     Las influencias fueron muchas: el lamento sentido y duro del blues primitivo, el majestuoso sonido y estructura de las obras clásicas y la emergente cultura opuesta al rock pesado. Black Sabbath se apartó del camino del rock clásico para componer lo que puede ser la primera muestra tangible de Metal, un tipo de canción técnicamente influyente debido al novedoso, por entonces, uso de las guitarras y las armonías y que iniciaría un género que ya lleva más de tres décadas de desarrollo y que hasta ahora no ha dejado de crecer y enriquecerse.

3.Características:

     Se caracteriza por tener unos ritmos agresivos obtenidos mediante la utilización de guitarras eléctricas muy amplificadas y distorsionadas, bajos, baterías con doble pedal y, dependiendo del estilo que se deseé conseguir, se pueden añadir, entre otros, teclados eléctricos, violines y gaitas.Este estilo de música tiene sus orígenes culturales en el Reino Unido, siendo las primeras bandas que comenzaron con este estilo Led Zeppelin y Deep Purple, aunque se suele señalar a Black Sabbath como el grupo que realmente inició el heavy metal. 

4. Estética de los estilos: 

    En los años posteriores fueron surgiendo los distintos géneros del metal como, por ejemplo:

• Thrash Metal: caracterizado por el uso de tempos rápidos, riffs de guitarra y solos muy rápido, bajos bastante pronunciados y alternancia del pedal y bombo a velocidades superiores de a los 180bpm.
•  Speed Metal: con ritmos extremadamente rápidos y abrasivos, pero sin perder la técnica.
• Black Metal: nace del Thrash Metal pero le da un toque más agresivo y oscuro.
• Death Metal: similar al Black Metal, pero con el aliciente de distorsiones de guitarras aún más graves y oscuras, y con vocalistas que suelen emplear voces graves o gritos guturales. 
• Power Metal: combina características del Heavy metal tradicional, del speed metal e, incluso usa elementos de la música clásica. Es un estilo más melódico y épico.
• Gothic Metal: se caracteriza por el uso de sopranos y tenores, siendo muy usada la técnica del canto de la bella (voz femenina soprano) y de la bestia (voz masculina gutural). Suele emplear elementos de la música clásica y medieval, con grandes orquestas y cantos gregorianos.

5. Grupos Representativos:
    Algunos grupos representativos son:

•  Scorpions, AC/DC, Kiss o Judas Priest.
•  Mötle Cure, Twisted Sister, Poison o Quiet Riot.
• "The Big Four", es decir, Metallica, Slayer, Anthrax y Megadeth.
• Venom, Helloween, X Japan y Accept.

                                              esto es Heavy Metal