Composición de una película
a) Composición de una película:
- Las filmaciones de los Lumière o de otros pioneros que se limitaban a capturar el paso de un tren o la salida de los trabajadores de una fábrica carecían de montaje porque simplemente registraban un hecho hasta que se terminaba la película. Con el diseño de carcasas más grandes, que aportaban mayor capacidad de almacenamiento, fue posible registrar muchos más hechos o secuencias de hechos. Poco a poco la necesidad de un montaje externo, de una ordenación y selección de lo filmado, se hizo patente. Por otro lado, en la ficción, era necesario retirar de la copia final las “colas” de inicio y de fin de secuencia. El papel de un montador se iba haciendo, pues, más y mas imprescindible. Para ese puesto se inventó la mesa de montaje con moviola en 1924, pero ya antes, en 1915, el visionario David W. Griffith había demostrado hasta dónde podía llegarse con un montaje expresivo, gracias a la suma de todas sus ideas e investigaciones narrativas, con ‘El nacimiento de una nación’ (‘The Birth of a Nation’). En esa película se desarrollaba como nunca hasta la fecha la noción de montaje en paralelo. Es decir, dos hechos que compartían una misma unidad de tiempo pero distinta localización.
Birth of a Nation clip 6
A grandes rasgos, se diferencian, al menos desde un punto de vista académico, cuatro grandes tipos o estilos de montaje:
- Narrativo o Clásico: Que cuenta los hechos de modo lógico y coherente, aunque haya saltos temporales hacia delante o hacia atrás. El montaje más invisible. El que menos llama la atención (en teoría…) sobre sí mismo.
- Expresivo: Cuando de él depende el ritmo externo de los acontecimientos. Rápido en la acción, lento en lo intimista.
- Ideológico: Cuando manipula las emociones y las ideas basándose en asociaciones de ideas, en símbolos, en planos-clave.
- No narrativo o Poético: El que propone una puesta en escena no narrativa, sino anímica, psicológica y espiritual.
Y luego, dentro de una secuencia, se distingue entre dos tipos de montaje más: el llamado Analítico:, que fragmenta la secuencia en cientos de planos y detalles, y el Sintético, que busca planos más amplios y mayor movimiento dentro de ellos.
¿Qué se podría considerar un buen montaje?
- El montaje no es más que un truco. Lugares comunes como el encadenado para expresar un salto temporal no muy largo, y el fundido a negro para expresar un salto temporal mayor, se han utilizado miles de millones de veces. Por eso mismo, ya no son válidos. Porque no hay dos caracteres o dos formas de mirar idénticas en todo el mundo. Sería bueno que cada cineasta buscar una forma de montaje propia, intransferible, y no se dedicara a repetir trucos tan manoseados. Por otra parte, siendo un medio tan visual, es muy potente manipulando la mente del espectador.
Composición cinematográfica
- El concepto de composición cinematográfica alude a la
disposición en el espacio de los diferentes elementos que conforman la
imagen. En los criterios de composición, todo buen cineasta que e precie
debe favorecer que el espectador “vea” lo mismo que ha visto él y con
la misma intención, a cuyo fin se valdrá del equilibrio y desequilibrio,
los centros de atención, la disposición de los elementos, etc. Pero también muy importante que persiga una estética determinada orientada a la obtención de imágenes armónicas, atractivas y originales.
- Como ven, la composición cinematográfica nos engaña. Nos
sugiere que los personajes tienen volumen, que los objetos tienen
texturas, y que los interiores y los paisajes tienen fondo. ¿Cómo se
consigue? Aquí unos aspectos que se consideran relevantes para
conseguirlo.
El enfoque diferencial
- Si con un objetivo de escasa profundidad de campo, o utilizando
diafragmas abiertos, enfocamos el centro de interés, dejando el fondo
desenfocado, conseguimos acentuar el efecto de profundidad del plano.
Si, además, variamos durante la toma el plano enfocado (por ejemplo,
cambiando el foco de la nuca de un personaje, en primer término, al
rostro en plano medio de otro personaje que mira al primero), obtenemos
un efecto de gran profundidad visual y con interesantes posibilidades
dramáticas.
La regla de los tercios
- La regla de los tercios es una vieja teoría sobre la composición que aún hoy funciona satisfactoriamente. Partimos de la división mental, imaginaria, de nuestro encuadre en tercios horizontales y verticales, para a continuación situar, distribuir, los elementos de la imagen repartidos por las líneas (horizontales y verticales), ubicando con preferencia el centro de interés en cualquiera de los cuatro puntos resultantes del corte de las líneas. En ocasiones, la composición de la imagen no cumple la regla de los tercios, sino que responde a criterios estéticos o dramáticos más complejos, pero en estos casos las imágenes así configuradas requieren por parte del espectador más tiempo para ser comprendidas y encontrar los centros de atención.Tono y profundidad
- Las imágenes de una escena se reproducen en una escala de grises, desde el blanco hasta el negro o en diversos colores o tonos, según el medio que las capte. La disposición en el encuadre de esta escala tonal es un elemento importante dentro de la composición de la escena, puesto que las zonas más claras aumentan su presencia. Por ejemplo, la atención puede desviarse si, junto al centro de interés, se dispone de un elemento fuertemente iluminado. Además, estas zonas, ya sea por su tonalidad o por iluminación, producen una sensación de cercanía, por lo que, si un cineasta juega adecuadamente con la escala tonal, conseguirá aumentar el efecto de profundidad o tridimensional. Pero una regla básica en la composición cinematográfica: el centro de interés debe ser la zona más iluminada.Masa y fondo
- Entendemos por masa los elementos integrantes de la escena: personas, objetos, mobiliario, etc. Cuanto mayor sea su número, más complicado será ordenarlos en el plano. El centro raramente es el mejor lugar para emplazar el centro de interés (recordemos la regla de los tercios). Los elementos han de ser dispuestos de forma asimétrica, de manera que las grandes masas tiendan hacia el exterior, mientras que las pequeñas lo hagan hacia el centro, con objeto de que a efectos de atención, el centrado de las pequeñas compense el tamaño de las grandes. El centro de interés de un plano ha de aparecer destacado y lo que más influye en esto es su separación visual del fondo. Cualquier elemento que aparezca detrás del sujeto principal es peligroso. Un árbol detrás de la cabeza, el marco de un cuadro o un florero pueden arruinar el plano.b) Biografía de algunos compositores de B.S.O:
John Williams
- Es un compositor y director de orquesta estadounidense . En una carrera que se ha extendido por más de seis décadas, Williams ha compuesto varias de las más famosas y reconocibles bandas sonoras de la historia del cine, muchas de ellas pertenecientes a las cintas más exitosas de todos los tiempos como: Star Wars, ET el extraterrestre, Indiana Jones, Jurassic Park, Harry Potter, Dracula, Tiburón, Superman, La lista de Schindler, Inteligencia artificial, Solo en casa, Minority Report y Memorias de una geisha.Hans Zimmer
- Es un compositor de bandas sonoras cinematográficas, pionero en la integración de música electrónica y arreglos orquestales tradicionales. Es ganador de premios cinematográficos como los Globos de oro, BAFTA, Emmy, Saturn, Grammy, además de un Óscar de la Academia por su trabajo en El Rey León, premios a los que ha sido nominado en otras 7 ocasiones desde 1988 con Rain man.
En la actualidad es considerado uno de los compositores más
sobresalientes de Hollywood, apodado por gran parte de la crítica como
«el omnipresente Zimmer» por sus numerosas apariciones, ya sea como
compositor principal o como colaborador de alguno de sus múltiples
discípulos.Banda Sonora del Rey León
Ennio Morricone
Es un compositor y director de orquesta italiano conocido por haber compuesto la banda sonora de más de 500 películas y series de televisión. Recibió un Óscar honorífico en 2006 y ganó el Óscar a la mejor banda sonora en 2016 por la cinta The Hatefull Eight. 
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